Rodrigo Mancera hace un “Prince” y lanza su primer disco solista

Rodrigo Mancera se atreve a presentar el disco solista Hasta morir, un trabajo de siete canciones interpretadas y producidas casi en su totalidad por el propio músico. El álbum cuenta con una única colaboración: Néstor Dueñas, quien participa en la mezcla y el máster.

Mancera es el guitarrista de los legendarios Morfonia. A lo largo de su carrera ha trabajado con artistas como La Etnnia y llegó a reemplazar a Teto Ocampo en Bloque de Búsqueda, consolidando así una trayectoria sólida dentro de la escena musical colombiana.

¿A qué suena Hasta morir?

Se trata de un disco empático y luminoso, marcado por la fusión de estilos. Es un recorrido por diversas influencias musicales, con un control preciso de las sonoridades y los efectos.

Musicalmente encontramos beats electrónicos, guiños a sonidos ochenteros con tintes progresivos, melodías cercanas al pop, guitarras intensas, pasajes de reggae y estructuras minimalistas.

Las letras tratan temáticas emocionalmente responsables y abordan temas como el amor, la identidad y la vida cotidiana. El resultado es un experimento que, sin ser estrictamente poético, está bien estructurado y logra conectar con el oyente.

No es un disco conceptual, sino una colección de canciones que parecen haber madurado con el tiempo y que Mancera decidió finalmente sacar a la luz.

Las canciones de Hasta morir

El álbum abre con “Adentro”, una pieza que me evoca, por momentos, la estética de “Decisiones” de Rubén Blades. Se trata de un tema pop con una armonía sencilla pero expresiva, que funciona como un llamado a la autenticidad y a perseguir lo que nos hace felices.

“Amor es lo que tenemos” es una canción de rock fusión atemporal, que podría dialogar con el universo creativo de Velandia o Malanga. Es, sin duda, el tema más rítmico y contagioso del disco, con riffs de guitarra distorsionada y una potente energía.

Por su parte, “Ajna”, “Wandering Heart” y “Die Toteninsel” son piezas instrumentales muy distintas entre sí. La primera es el momento mas oscuro del álbum; la segunda, una implosión experimental; y la tercera, una composición con un enfoque más cercano al frío de lo orquestal sintetizado.

Finalmente, “Una y mil veces mal” y “Una luz” se acercan al reggae desde una perspectiva propia, con guitarras de texturas cuidadas y ritmos que evitan lo predecible. Ambas canciones abordan pilares del amor como la pasión, el apoyo y la autoestima.